La Obra que a comentar recibe el título de David, por representar a este profeta del Antiguo testamento, realizada en bronce en 1444 por el escultor florentino Donatello, por lo tanto es una obra del Quatrocentto italiano.

Representa el enfrentamiento entre el joven David y el gigante soldado filisteo Goliat justo en el momento posterior a dicho enfrentamiento, cuando éste  ha ganado. David aparece totalmente desnudo, a excepción de unas hojas de laurel y unas botas altas, portando con la mano derecha la espada con la que acaba de degollar a Goliat, cuya cabeza pisa con la pierna izquierda.

Donatello lo representa como si de un dios olímpico se tratara. El rostro del joven David expresa serenidad por vencer a  Goliat.

El David de Donatello, supuso la vuelta al desnudo como tema. El tema bíblico del enfrentamiento del profeta David con Goliat se convierte en una simple tópico. Así David aparece como si de Apolo se tratara. El tema de David, simbolizaba el triunfo de Cristo sobre la muerte y el pecado. Sin embargo, algunos críticos han cuestionado la identificación del tema con David y consideran que se trata del dios pagano Mercurio con la cabeza del gigante Argos.

Con esta escultura Donatello volvió a fijar su mirada en lo clásico. Este tema será tratado por escultores renacentistas como Verrochio o Miguel Ángel, así como por escultores posteriores como el escultor barroco Bernini.

Esta escultura es de temática mitológica, ya que representa a Apolo, una de las principales divinidades olímpicas, persiguiendo a la ninfa Dafne, que intenta escapar y, tras suplicar a su padre, se transforma en laurel para que Apolo no la pueda tomar como esposa. Esta historia aparece recogida en “Las Metamorfosis” de Ovidio. La escultura se puede observar desde distintos puntos de vista y genera movimiento por parte del espectador.

El material utilizado es el mármol clásico. El autor hace un gran uso del mármol, destacando especialmente su tratamiento en las hojas, que parecen casi reales.

La composición es abierta, pues está pensada para ser vista desde distintos puntos de vista, y asimétrica. Utiliza una diagonal que aporta dinamismo a las figuras, cuando Dafne se ve abrupta por la transformación y sus cabellos están en movimiento mientras sus pies están ya transformados y emplea además diversas líneas curvas, como las dos paralelas que forman los cuerpos de los personajes o los brazos, acentuando así el dramatismo barroco de la obra.

Las figuras de esta escultura son idealizadas, con un canon clásico de belleza. Podemos observar en los brazos de los personajes o en el pie de Apolo, que no llega a estar apoyado, pues el autor quiere representar el momento de mayor tensión, que observamos en las expresiones como el horror de Dafne y el enamoramiento del rostro de Apolo.

Podemos concluir con que nos encontramos ante la escultura “Apolo y Dafne” de Bernini (1598 - 1680) realizada entre 1622 y 1625 y perteneciente al Barroco italiano.

El barroco se desarrolla durante el S.XVII una época de numerosos conflictos y guerras de religión en Europa entre católicos (Francia, España e Italia) y protestantes (Inglaterra y Holanda).

En cuanto al arte se impone el movimiento, lo emocional y lo óptico, respecto a la escultura, a pesar del predominio de los temas religiosos también hay mitológicos. En Italia se utilizarán materiales clásicos como el bronce o el mármol, y como en las demás artes, buscará el movimiento con diagonales, la expresividad con posturas forzadas o teatrales y se valorará de nuevo las texturas, la luz y el color para buscar naturalismo e impacto sobre los espectadores: se utilizarán todos los efectos posibles a la hora de atraer y convencer al espectador.